Ash Godley

L'artiste Ash Godley crée des peintures à l'huile troublantes qui explorent le sentiment familier mais étrange de l'inquiétante étrangeté (uncanny). S'appuyant sur une double formation en arts plastiques et en histoire de l'art, Godley aborde sa fascination pour la qualité lisse et profonde de la peinture à l'huile, l'influence du cinéma et des jeux vidéo d'horreur sur son utilisation de la lumière, et la façon dont le « chez-soi » fonctionne comme un élément de nostalgie dans son œuvre évocatrice.

Qu'est-ce qui vous a d'abord attirée vers la peinture à l'huile, et pourquoi avoir choisi ce médium plutôt que d'autres ?

J'ai d'abord été attirée par la peinture à l'huile en raison de sa qualité lisse et brillante. On peut y obtenir des couleurs d'une complexité et d'une profondeur uniques, un élément que je trouvais esthétiquement plaisant et qui me rappelle la photographie argentique. Plus spécifiquement, les couleurs opaques et riches de l'huile permettent un rendu incroyablement réaliste de la lumière, ce qui, selon moi, me rappelle le film et constitue la principale raison pour laquelle j'y reviens constamment dans mon travail. De plus, lorsque j'ai commencé à peindre (quand j'ai commencé l'école secondaire), l'huile était un médium dans lequel je voulais me lancer parce que c'était le langage des « maîtres anciens ». J'ai trouvé que cette crédibilité historique ajoutait à son impression intimidante, se présentant comme un défi que je voulais (et veux toujours) maîtriser moi-même.

Vous avez étudié à la fois les arts plastiques (Studio Art) et l'histoire de l'art. Comment cette double formation nourrit-elle votre pratique actuelle, notamment dans votre approche conceptuelle et technique de la peinture à l'huile ?

L'histoire de l'art fait partie intégrante de ma pratique, et j'essaie d'y penser à chaque étape de mon processus ; elle façonne souvent mes tableaux au fur et à mesure que je les peins. En d'autres termes, je vois mon travail comme une conversation, non seulement entre mes spectateurs et moi, mais aussi entre mon travail et l'art qui l'a précédé (et qui l'accompagne). Dans ma tête, cette conversation est principalement une question de catégorisation : considérer les mouvements, les genres et les figures précédents et comparer l'œuvre sur laquelle je travaille avec eux. Par exemple, en peignant mon exposition Dead Quiet, j'ai réalisé que je réalisais des natures mortes. Au départ, je voulais peindre des environnements de jeux vidéo, mais je me suis surprise à me concentrer sur des objets individuels. Cela m'a amenée à embrasser davantage cette direction, à établir ce lien avec l'histoire et à modifier ma propre perception de la série.

Je travaille aussi dans l'autre sens, en partant d'un concept que j'ai rencontré dans mes études d'histoire de l'art et en essayant de l'intégrer dans le contemporain. C'est ainsi que j'ai conçu ma série Visit, car je voulais explorer l'idée d'amener le spectateur directement dans le monde du tableau, comme dans The Eavesdropper de Nicholas Maes, de 1657. Il dépeint une domestique qui écoute aux portes et qui confronte le spectateur en portant un doigt à ses lèvres, nous demandant de faire silence et peut-être d'écouter nous aussi. Le spectateur est intrinsèquement complice de l'acte de la domestique, ce qui m'a inspirée à réaliser des tableaux où le spectateur est directement en train de violer un espace, son propre acte de regarder devenant de la même manière un acte de complicité.

Votre travail est souvent décrit comme explorant l'« inquiétante étrangeté » (uncanny). Comment définiriez-vous ce sentiment et comment cherchez-vous à l'évoquer chez le spectateur ?

L'« inquiétante étrangeté » (The Uncanny) décrit un sentiment qui est à la fois familier, mais aussi inconnu ou étrange. C'est le sentiment troublant que l'on ressent en voyant quelque chose que l'on connaît dans un contexte inhabituel ou étrange — quand un espace ou un objet semble « bizarre ». Dans mon travail, j'essaie d'explorer ce concept littéralement en représentant des environnements quotidiens et banals à travers un prisme troublant, en utilisant le langage visuel des films d'horreur et des jeux vidéo. Plus spécifiquement, j'utilise un éclairage étrange, comme une lampe de poche, et des perspectives inclinées dans mes photos pour créer cette atmosphère. Par cette approche, j'espère présenter au spectateur de la familiarité et évoquer des souvenirs personnels, tout en suggérant un récit ambigu qui perturbe cette nostalgie, plaçant les œuvres dans cet espace étrange entre le connu et l'inconnu.

Votre pratique est un dialogue constant entre la photographie et la peinture à l'huile. Quelles sont les qualités uniques que la peinture apporte à une image que la photographie ne peut pas, et vice-versa ?

Quand je regarde une peinture figurative, je cherche toujours la manière dont les marques individuelles s'assemblent en une seule image plus grande. Cela apparaît souvent comme des centaines, voire des milliers de mouvements, ce qui exprime intrinsèquement qu'une image ou une abstraction mérite qu'on y investisse de l'effort et du temps. De cette façon, les peintures me semblent monumentales et singulières, car il serait presque impossible de reproduire le même coup de pinceau sur plusieurs toiles (du moins avec mon approche de la peinture). D'un autre côté, quand je regarde une photo, je la vois comme la documentation d'une histoire en mouvement, suggérant qu'il y a plus derrière ce simple cliché ; et dans de nombreux cas, il y en a, car je prends des centaines de photos qui serviront de sujets à mes peintures. En essayant de combiner ces médiums, je souhaite obtenir le meilleur des deux mondes : une image qui se présente comme une expression d'effort singulière et unique, et qui, par la répétition et son apparence photographique, fait également partie d'un monde plus vaste que mon spectateur peut explorer.

Beaucoup de vos sujets représentent des scènes résidentielles quotidiennes. Que représente la notion de « chez-soi » (home) dans votre travail ?

Le « chez-soi » (home) dans mon travail fonctionne comme l'élément de familiarité dans l'équation de l'« inquiétante étrangeté ». J'espère qu'en revenant à ces environnements résidentiels, j'évoque des souvenirs chez mon spectateur. Je veux qu'il soit capable de se rappeler de manière vivante un environnement similaire, d'imaginer marcher à travers la toile dans l'espace auquel il est confronté. Mais j'ai l'impression que tout le monde a une relation différente avec le mot « chez-soi » (home), et je ne suis pas sûre que ce soit le meilleur mot pour décrire comment j'utilise ce sentiment dans mon travail. Je pense plutôt que le terme « nostalgie » est plus précis.

La lumière, l'ombre et le contraste jouent un rôle important dans votre travail. Quels artistes ou mouvements vous ont influencée à cet égard ?

L'élément de lumière et de contraste constitue une grande partie de ma concentration en peinture, et je me tourne vers de nombreux artistes et mouvements lorsque je réfléchis à la façon de les manier dans mon travail. J'ai été surtout inspirée par les peintures d'Edward Hopper et de Hans Emmenegger en ce qui concerne l'éclairage, spécifiquement la façon dont on peut combiner la lumière et la forme pour obtenir une stylisation réaliste. On peut l'observer dans les peintures de maisons et d'espaces commerciaux de Hopper, ainsi que dans les peintures de forêts d'Emmenegger. De plus, je suis également inspirée par la photographie de rue de Brassai, en particulier ses photos de Paris la nuit. Dans les œuvres de tous ces artistes, une atmosphère mélancolique, mais familière, est atteinte par la façon dont ils utilisent la lumière et le contraste sur des espaces familiers, ce que je vise également à communiquer dans mon travail.

De plus, j'essaie d'aborder la composition de la lumière dans mes peintures de la même manière qu'elle est utilisée dans les jeux vidéo d'horreur. Souvent, le joueur est placé dans un environnement sombre, et les concepteurs de jeux placent intentionnellement des sources de lumière pour servir de repères afin que le joueur puisse naviguer dans la zone. Je veux faire la même chose dans mon travail, suggérant au spectateur que l'histoire continue s'il s'engage sur le chemin et va vers la lumière.

Comment voyez-vous votre travail évoluer au cours des cinq prochaines années ? Y a-t-il des thèmes ou des médiums que vous aimeriez explorer ?

Je pense que mon travail évoluera à l'avenir en étendant ma pratique à différents médiums, car j'ai planifié des projets vidéo dans un avenir proche, ainsi que m'impliquer davantage dans le dessin et la peinture acrylique. De plus, j'ai l'impression que mon travail s'intéresse de plus en plus au thème du récit, j'espère donc étendre mes explorations à différentes formes de narration, telles que les bandes dessinées et le cinéma. Il y a beaucoup plus à venir ! 🙂 🙂

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Pour en savoir plus et voir l'art d'Ash Godley: site web + Instagram.