Entrez dans l'univers de Cara Guri, où le photoréalisme rencontre le surréalisme. Dans cette interview, elle se penche sur son processus d'équilibre entre technique méticuleuse et perturbation imaginative, explorant l'identité et la manière dont son parcours musical informe sa vision artistique.
Votre style est un mélange frappant de photoréalisme hyper-détaillé et d'éléments surréels. Comment maintenez-vous l'équilibre entre une précision technique méticuleuse et l'intention de perturber la réalité perçue ?
Mes peintures sont généralement créées en combinant des observations directes de la vie réelle et l'imagination. Étudier des sujets, des objets et des motifs lumineux dans la vie réelle, puis les combiner avec des images imaginées d'une manière qui semble inhabituelle ou inattendue, m'aide à réaliser le mélange d'éléments réels et surréels dans mon travail. J'essaie toujours de capturer la coexistence simultanée de l'espace psychologique intérieur et de l'expérience du monde extérieur. Ancrer mes peintures dans l'observation du monde réel et permettre à cela d'être en conversation avec l'imagerie de mon imagination m'aide à atteindre cet équilibre entre les mondes.
Vous mentionnez que vous explorez « l'identité et la construction de l'identité ». Pouvez-vous nous dire comment cela se manifeste dans votre travail ?
Une grande partie de ma pratique actuelle est née d'un intérêt à vouloir explorer et décortiquer le but attendu du portrait et son intention typique de représenter un sujet sous un certain jour. Les portraits sont généralement une version arrangée du sujet, et sont par conséquent toujours une sorte d'identité construite. Dans l'histoire de l'art occidental traditionnel, cette construction de l'identité était typiquement une sorte d'idéalisation du sujet, souvent filtrée par le regard masculin. Je m'intéresse à un portrait qui dépeint des sujets existant dans leurs propres mondes intérieurs, visibles mais aussi séparés du spectateur. Ainsi, ils possèdent leurs propres histoires intérieures, en même temps que le spectateur peut se connecter et construire sa propre histoire autour d'eux. En jouant avec la dissimulation d'éléments du sujet, j'essaie en partie de remettre en question l'objectif attendu d'un portrait qui est de capturer une ressemblance identifiable et flatteuse. Je souhaite plutôt capturer quelque chose de l'expérience intérieure d'être humain et de la manière dont cela influence notre sentiment de soi et notre identité.
Comment choisissez-vous les accessoires ou les objets qui apparaissent dans vos portraits ? Portent-ils toujours une signification personnelle ?
Typiquement, les accessoires ou objets dans mes peintures sont des choses banales et ordinaires avec lesquelles j'ai passé beaucoup de temps. Je peins de vieilles lunettes rayées de la cuisine de mon enfance, des chaises en bois usées de ma maison d'enfance, des marguerites sauvages que j'ai déterrées d'un fossé, plantées dans un pot dans mon studio et observées au cours de leur cycle de croissance, ou des notes Post-it qui flottent de manière envahissante dans ma vie quotidienne. J'aime peindre des choses qui ont une signification pour moi, en partie comme un moyen de les remarquer pleinement et de les graver dans ma mémoire. Ces petits objets ordinaires deviennent souvent une toile de fond pour le déroulement de nos vies, mais nous les voyons rarement en détail. Le processus de les peindre méticuleusement est une manière de leur rendre hommage et de les voir sous un nouveau jour.
Dans ma série Paper Dolls (Poupées de papier), j'adopte une approche différente. Les natures mortes que j'utilise comme référence sont créées à partir de découpes d'impressions de peintures historiques de l'art du canon occidental. Je découpe les figures et les reconfigure dans une nouvelle composition, parfois intégrée de manière créative dans mon espace pour générer une nouvelle signification.
Quelle a été la difficulté technique la plus difficile à laquelle vous avez été confrontée récemment, et comment l'avez-vous surmontée ?
J'ai récemment été diagnostiquée avec le syndrome d'Ehlers-Danlos hypermobile, qui est un trouble du tissu conjonctif causant une douleur chronique. Il a parfois été difficile de naviguer dans la façon de créer un travail qui exige autant de temps et d'énergie physique dans un corps qui ne veut pas toujours coopérer au niveau que j'aimerais. Je suis toujours en train de travailler là-dessus et d'apprendre ce dont j'ai besoin pour optimiser ma pratique, mais apprendre à respecter les limites de mon corps, alterner les œuvres et varier l'échelle des pièces sur lesquelles je travaille, prendre des pauses plus régulières tout au long d'une journée de travail et aménager du temps pour le repos, la physiothérapie et l'exercice/les étirements ont été utiles pour me sentir physiquement mieux pendant que je travaille.
Y a-t-il une œuvre ou une série particulière que vous considérez comme un tournant dans votre carrière, une qui a défini la direction de votre pratique actuelle ?
Mon œuvre « Headpiece » (Coiffe) a été significative pour moi, à la fois en termes de portrait dissimulé comme direction d'intérêt et en termes d'intégration de l'autoportrait dans ma pratique. Je crée souvent des autoportraits, ou des portraits de personnes dont je suis extrêmement proche, car cela devient un exercice très libérateur – je peux utiliser mon propre corps librement comme accessoire sans avoir à prendre en compte comment quelqu'un d'autre pourrait souhaiter être représenté et j'ai la licence créative de faire ce que je veux à mon propre corps. Cette pièce a définitivement accru mon intérêt pour l'exploration de l'idée de l'espace personnel, pour jouer avec un portrait qui semble à la fois réel et surréel, et pour aborder le sentiment de l'expérience intérieure qui se déroule en même temps que l'on existe en tant qu'être dans l'espace.
En plus d'être artiste visuelle, vous êtes également musicienne. Y a-t-il des parallèles ou des influences entre votre discipline musicale et votre approche de la composition, du rythme ou de l'expression en peinture ?
Oui, en plus de ma pratique en tant qu'artiste visuelle, je suis également chanteuse/vocaliste d'opéra de formation classique. Il y a absolument des chevauchements dans ma façon de penser et d'approcher les deux domaines. En tant que personne, je suis en général méticuleuse, expressive et créative, et cela est évident dans la façon dont j'aborde à la fois la peinture et le chant. Je pense souvent à la musique en termes de couleur comme un moyen d'apporter plus d'interprétation, et je pense aussi fréquemment au coup de pinceau en termes d'une sorte de musicalité innée (la vitesse, la lenteur ou le rythme avec lesquels je peins une section me semblent musicaux d'une certaine manière). Je chante aussi souvent lorsque je peins, donc cela fait partie de mon expérience d'être en studio. Potentiellement à l'avenir, je pourrai trouver des moyens de réunir les deux domaines pour certaines œuvres, peut-être par la composition et l'installation picturale, mais ce sont des projets à plus long terme.
Avez-vous des projets à venir que vous aimeriez partager avec nous ?
Je prépare actuellement une exposition internationale et je partagerai plus de détails à ce sujet dans les mois à venir sur mon compte Instagram @cara.guri. Je travaille également actuellement sur plusieurs nouvelles séries d'œuvres, y compris de nouveaux portraits ainsi que d'autres travaux dans ma série Paper Dolls, et je suis impatiente de les partager bientôt également.
Pour en savoir plus et voir le travail de Cara Guri, visitez son site web et suivez-la sur Instagram.
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