Miles Ingrassia

Le peintre torontois Miles Ingrassia explore l’intimité, la tension et la vulnérabilité à travers des scènes figuratives expressives. S’inspirant de photographies mises en scène et de moments personnels, ses peintures libres et gestuelles captent la complexité émotionnelle des relations entre jeunes hommes. Dans cette entrevue, il aborde son processus, ses influences et l’équilibre entre contrôle et chaos dans la peinture.

D’où vient votre intérêt pour l’art, et comment avez-vous commencé à peindre/créer ?

J’ai toujours été intéressé par le dessin quand j’étais jeune. Honnêtement, je pense que j’aimais surtout l’attention et montrer ce que je faisais. J’adorais les magazines et les bandes dessinées. J’ai fait mon baccalauréat en gravure, puis je me suis tourné vers la peinture aux études supérieures.

Comment votre formation à OCAD et à l’Université York a-t-elle façonné votre langage visuel actuel ?

Je ne suis pas certain que les institutions déterminent vraiment mon langage visuel. Ce que j’en ai retiré, dans les deux cas, c’est une communauté qui prenait l’art plus au sérieux. Avant ça, je traînais avec des graffeurs et on s’échangeait des sketchbooks. Eux aussi prenaient ça au sérieux, mais d’une autre manière. Ce que l’école m’a apporté, c’est une façon d’interroger réellement mes idées.

Quels sont les thèmes récurrents dans votre travail ?

Une grande partie de mon travail tourne autour des idées d’intimité, et des différentes façons dont elle peut se manifester, particulièrement à travers le prisme des jeunes hommes. Je cherche ces petits moments qui passent souvent inaperçus, puis j’essaie de les amplifier et de les exagérer.

Comment décririez-vous votre style ?

Je pense que c’est très difficile de définir son propre style. Il y a des choses avec lesquelles j’essaie d’entrer activement en dialogue et d’autres auxquelles je tente de résister, mais c’est toujours un jeu de tension. J’aime penser que mon travail est figuratif, gestuel, libre, maximaliste.

Comment choisissez-vous les modèles pour vos scènes mises en scène ? Quel est votre processus créatif ?

C'est peut-être idiot à dire, mais j'essaie de ne pas choisir. Je travaille avec des photos d'amis, des modèles Craigslist et des selfies, en modifiant les choses pour qu'elles ne deviennent pas trop structurées et narratives dans l'ensemble de l'œuvre. J'aime que les choses soient organiques et qu'elles ne soient pas trop planifiées.

Côté processus, j’ai des étapes que je traverse, puis j’essaie de négocier les choses à chacune d’elles pour que le style reste cohérent pour moi.

Par exemple, je travaille d’abord sur un dessin que je projette ensuite sur une toile, que je trace en rouge et sur laquelle j’applique un dégradé transparent très lumineux. À l’étape suivante, je modifie ma peinture pour qu’elle devienne difficile à contrôler, et je me concentre sur un travail rapide, en acceptant le chaos. Je reviens ensuite pour une deuxième couche, et c’est là que j’essaie vraiment de résister à l’envie de corriger et de réparer. Il y a toujours des parties qui en ont besoin, mais l’équilibre entre contrôle et perte de contrôle est au cœur de mon processus.

Parlez-nous d’une de vos œuvres en particulier et expliquez sa signification ainsi que vos choix esthétiques.

L’œuvre Devil’s Advocate montre trois jeunes hommes à l’extérieur d’un bar, pris dans une dispute sous l’effet de l’alcool. Les visages sont exagérés et très animés. Ils sont pris dans le moment, mais il y a aussi quelque chose de très affectueux et tendre dans la scène. Mon intention est de montrer que les moments d’intimité ne sont pas toujours romantiques ou doux, mais qu’ils peuvent aussi être marqués par la tension et le désaccord. Ce sont ces éléments qui donnent de la profondeur à toute relation.

Sur le plan esthétique, je voulais vraiment jouer avec la lumière et la température des couleurs : des tons sombres, des néons réfléchis, et ainsi de suite. C’est un moment figé dans le temps, donc les choses ne sont pas forcément résolues. Certains passages sont rendus rapidement et laissés plus libres, tandis que d’autres sont plus raffinés. C’est un peu ainsi que fonctionne la mémoire : certaines parties sont très nettes, tandis que d’autres ne sont qu’un flou indistinct.

Y a-t-il un artiste en particulier qui vous inspire, et pourquoi ?

J’aime beaucoup des peintres comme Jenny Saville, Amanda Wall et Eric Fischl. Leurs œuvres respectives dégagent toutes une forme d’aisance et de confiance que j’essaie constamment d’atteindre.

Avez-vous des expositions ou des projets à venir que vous aimeriez partager avec nous ?

Je termine actuellement un grand ensemble de nouvelles œuvres pour The Artist Project à Toronto en mars. J’ai aussi quelques autres projets à l’horizon, mais je ne pense pas pouvoir en parler pour l’instant.

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Pour en savoir plus sur le travail de Miles Ingrassia : site web + Instagram.