Peter Harris

Depuis plus de deux décennies, cet artiste, Peter Harris, a transformé des paysages urbains quotidiens en œuvres d'art saisissantes. Nous discutons de son processus créatif, du pouvoir narratif des espaces vides et de sa perspective en constante évolution sur l'environnement urbain.

Votre biographie mentionne une transition progressive de la vie en petite ville vers le centre-ville dense de Toronto. Comment ce changement d'environnement a-t-il façonné votre regard artistique au fil des ans ?

J'ai toujours été influencé par mon environnement et j'y puise mon inspiration. Chaque fois que j'ai changé de ville ou de quartier, être entouré de nouvelles choses me donne toujours l'occasion de réexaminer mon approche. Vivre au cœur du centre-ville m'amène à me pencher davantage sur les espaces architecturaux, les intérieurs et les arêtes vives de l'environnement urbain.

Après 25 ans à peindre le paysage urbain, qu'est-ce qui continue d'alimenter votre fascination pour la ville en tant que sujet ?

Je rencontre constamment des gens qui sont fascinés et surpris par les espaces que je choisis de peindre. Le fait de savoir qu'il y a plus de gens qui n'ont jamais considéré leur trajet de banlieue comme une exploration du paysage urbain canadien, ou que les espaces qu'ils traversent sont « dignes d'être peints » signifie que j'ai toujours plus de sujets à peindre, et plus de gens à essayer de connecter à leur environnement.

Vos peintures sont remarquables par l'absence totale de figures humaines. Qu'est-ce qui motive ce choix esthétique ?

Je veux vraiment que l'histoire parle de vous, le spectateur. Lorsque vous regardez mes peintures, je veux que vous imaginiez être seul dans cet espace et ce que vous y ressentiriez. Si j'incluais des gens dans mes peintures, alors la narration tournerait autour de leur présence et de leur motivation à se trouver dans cet espace. Ce sont des peintures à la première personne – juste vous et l'espace.

Vous peignez des stationnements, des stations-service et des couloirs. Comment parvenez-vous à extraire la beauté de ces espaces souvent purement fonctionnels ?

Je pense toujours aux espaces – surtout les sujets extérieurs – comme à une scène, comme au théâtre. Grâce à un éclairage à contraste élevé la nuit, je peux pousser des parties du scénario dans l'obscurité et amener d'autres zones vers la lumière. Cela me permet de contrôler ce qui est vu et ce qui est invisible, de cacher les éléments qui distraient et de mettre en évidence ce que je veux représenter.

Travaillez-vous principalement à partir de photographies que vous prenez vous-même ? À quoi ressemble le processus de planification et de production d'une peinture ?

Je travaille uniquement à partir de photos que je prends moi-même. Je prends des milliers de photos, visitant souvent un lieu plusieurs fois pour capturer différents éclairages et compositions. Après avoir passé au crible les photos, je commence à sélectionner, à éditer et à affiner la composition. Ensuite, je dessine l'image sur ma toile, généralement avec un système de perspective serrée à un ou deux points, ce qui me permet d'affiner davantage la composition. Une fois le dessin terminé, je commence à construire les sections de mes peintures à l'huile sur toile jusqu'à ce que j'obtienne la profondeur de couleur, les textures et le raffinement que je recherche. Au total, il faut généralement quelques mois entre le déclenchement de l'obturateur et la peinture finie (avec beaucoup de temps pour laisser les idées mûrir à chaque étape).

Comment l'idée de placer une œuvre d'art « miniature » dans votre propre œuvre est-elle née ? Est-ce conçu comme un hommage, ou porte-t-il un message spécifique ?

Cela a commencé lorsque je photographiais un bâtiment industriel très banal, qui avait une peinture géante d'un paysage italien dans son hall. Le contraste de cette œuvre d'art onirique dans cet environnement était fascinant et humoristique. J'ai décidé de commencer à placer mes propres œuvres d'art dans les espaces intérieurs que je peignais, et j'ai décidé que je devais « organiser » l'œuvre pour ajouter une couche de sens à mon travail – c'est ainsi que j'ai commencé à ajouter les paysages historiques canadiens miniatures, afin de contraster avec les espaces architecturaux contemporains… deux versions concurrentes du paysage canadien.

Quel artiste, contemporain ou autre, vous inspire le plus ?

Plus tôt cette année, j'ai rencontré deux peintres anglais à Londres, Ben Johnson et David Hepher, qui sont tous deux au sommet de leur art et créent des œuvres étonnantes autour de l'architecture et de l'environnement bâti.

Avez-vous des projets futurs que vous aimeriez partager avec nous ?

En ce moment, je suis obsédé par le système de transport en commun de New York et leurs métros des années 1980 toujours en service. Je ne sais pas où cette série me mènera, mais cela m'enthousiasme !

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Pour en savoir plus sur l'oeuvre de Peter Harris, visitez son site web et sa page Instagram.