Theresa Passarello

Eau, mémoire et mots cachés : voilà les fils qui traversent la pratique artistique de Theresa Passarello. Dans cet entretien, elle explique comment des écrits intimes de journal, des images aquatiques et la tension entre intuition et structure se rejoignent pour former des peintures qui recèlent plus que ce que l'œil peut voir.

Vous êtes née aux Bahamas, vous avez étudié le génie civil à Waterloo, puis les arts à Concordia… comment ces expériences si différentes ont-elles façonné votre vision en tant qu'artiste ?

Chacun possède ses propres expériences de vie qui façonnent qui il est, comment il perçoit le monde et ce qu'il veut exprimer. Je n'ai vécu aux Bahamas que jusqu'à l'âge de deux ans, mais j'aime croire que cela a eu un effet profond sur moi et que c'est au cœur de mon attirance et de ma fascination pour les images aquatiques dans mon art. Bien que je n'aie pas exercé l'ingénierie très longtemps, c'est une grande partie de mon identité, et la méthodologie rigoureuse ainsi que l'esprit mathématique que mes études ont cultivés entrent en jeu dans mon processus pictural. Il y a un constant va-et-vient, lorsque je crée, entre mon moi plus structuré d'ingénieure et mon moi artistique plus réactif et intuitif.

Comment décririez-vous votre pratique artistique à quelqu'un qui la découvre pour la première fois ?

Ma pratique artistique explore des thèmes liés à la mémoire et au langage, souvent évoqués à travers la métaphore de l'eau. Je suis avant tout une peintre guidée par le processus, qui réalise de grandes œuvres figuratives dans des espaces de transformation ou des instants limités de conscience, mais j'intègre également à ma pratique des œuvres de plus petits formats sur mylar, des collages et des installations.

L'eau apparaît comme une métaphore récurrente dans votre œuvre. Pouvez-vous nous parler de sa signification cachée dans vos peintures ?

L'eau apparaît dans mes peintures comme une métaphore de la mémoire éphémère. Je suis fascinée par la qualité insaisissable de la mémoire, son flux et reflux transitoires. Un souvenir peut resurgir de manière inattendue, éveillé par un parfum ou une chanson ; il prend forme, s'attarde, puis disparaît. L'eau me fournit un espace élastique pour explorer ces idées.

Vous utilisez des extraits de vos journaux intimes comme sous-peinture. Est-ce une forme d'exorcisme, ou une manière de donner une âme invisible à la toile ?

J'adore l'idée que ce soit une forme d'exorcisme ! J'ai initié la pratique de commencer mes toiles avec une sous-peinture d'écrits de journal après que mes recherches m'ont fait découvrir les palimpsestes littéraires. Les palimpsestes sont d'anciens manuscrits rédigés sur vélin. L'écriture était effacée et le vélin réutilisé à maintes reprises, des traces de ces écrits superposés finissant par réapparaître. Mes sous-peintures sont une tentative de créer mon propre palimpseste personnel de souvenirs. Elles constituent un autre moyen de communiquer la mémoire éphémère, et le processus lui-même me donne quelque chose de structuré mais d'inattendu auquel répondre par mes gestes picturaux. D'une certaine façon, je donne peut-être à mes peintures une âme invisible, avec mes secrets et mes histoires enfouis sous la surface.

Pouvez-vous nous guider à travers votre processus, de l'idée initiale à l'image finale ?

Je suis une collectionneuse d'images et de citations liées à l'eau. Ces deux éléments m'inspirent et me servent de points de départ pour mes peintures. Je passe en revue mes images et mes citations, je trouve quelque chose qui résonne, puis je joue avec la composition en fonction du format de toile que je choisis. Je le croquis plusieurs fois afin de me familiariser avec l'image et de comprendre quelle sera la structure générale de ma peinture. J'utilise de minces lavis de sienne brûlée pour ma sous-peinture, en inscrivant des lignes de mes journaux intimes, en encourageant les coulures et les mots flous, en faisant pivoter la toile après chaque couche d'écriture pour créer une sorte de grille ou de tissage de mots. Une fois satisfaite de ma sous-peinture palimpseste, j'esquisse la composition. Je commence à peindre l'image tout en répondant simultanément à l'écriture sous-jacente, la laissant transparaître à certains endroits et l'effaçant à d'autres. Je réponds à mes gestes picturaux en laissant le texte et la figure glisser alternativement dans et hors de la mise au point. Au final, l'écriture est en grande partie illisible, mais demeure reconnaissable comme une forme de langage.

Quel rôle joue l'intuition dans votre pratique ?

L'intuition intervient dans ma pratique dans la façon dont je réponds à l'écriture sous-jacente. Je ne sais jamais quelles formes les couches d'écriture vont créer, ni quelles formes m'attireront au moment de peindre. Je procède au ressenti. Dans l'une de mes peintures, j'avais fait ressortir toutes les formes ovales de l'écriture sans même m'en rendre compte. C'était une peinture d'une jeune femme nageant sous l'eau, et il y avait toutes ces « O » reliés entre eux dans le paysage aquatique. Lorsque j'ai livré la peinture au domicile du collectionneur, on m'a demandé qui était la jeune fille dans le tableau, et j'ai eu un moment de révélation en répondant : « une amie de ma fille, elle s'appelle Oona ». Parfois, l'intuition nous oriente dans des directions que nous ne comprenons que plus tard.

Nommez un artiste que vous admirez particulièrement et dites-nous pourquoi.

Peter Doig est un artiste que j'admire beaucoup. Les peintures figuratives et paysagères, stratifiées et oniriques de Doig oscillent de manière captivante et évocatrice entre abstraction et représentation. J'aime l'ambiguïté de son œuvre, la façon dont il ne ressent pas le besoin de tout définir, et comment on trouve beauté et contemplation dans les recoins silencieux de ses peintures. Il s'en dégage une qualité nostalgique qui résonne vraiment en moi.

Sur quoi travaillez-vous actuellement ? Des expositions à venir ?

Je travaille actuellement à une série de peintures et de collages pour une prochaine exposition collective, A Collective Gaze / Un Regard Collectif, à la Maison de la Culture Marie-Uguay à Montréal, qui ouvre le 31 octobre 2026. Je fais partie d'un Salon d'artistes, et l'exposition présente les œuvres de sept artistes de ce groupe qui m'est cher. Le travail que j'y montrerai s'inspire de petits dessins et collages que j'avais initialement créés pour le Projet Carnet à la Maison de la Culture Marie-Uguay en 2023, ce qui donne l'impression d'un beau retour à la case départ.

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